C’est à cette femme que l’artiste peintre Sylvie Penet, lors du confinement, pense et rend hommage au détour d’un cycle qu’elle lui consacre. Les notions de vie et de liberté, chez Sylvie Penet, sont en effet toujours en filigrane dans son travail depuis ses débuts. Des notions qu’elle souhaite honorer, par la beauté des couleurs, tout autant qu’interroger, en articulant chacune de ses toiles au sein d’une série.

L’artiste organise d’abord un fond en matières et pigments, qu’elle modèle, sculpte ou strie. Le figuratif vient ensuite. Auparavant créatrice pour la mode et illustratrice, l’artiste maîtrise le travail du motif, le placement des masses et leurs jeux de lecture. Avec aisance, elle nous mène ainsi à l’émotion tout en proposant une image limpide et lisible, toujours au service d’un thème.

Le vivant, d’abord, avec les thèmes du paysage et du monde animal : fantasmée mais faisant front, la nature y est interrogée dans son rapport à l’Homme et la place que celui-ci lui accorde. La liberté est ici affaire de territoire, de plus en plus empiété par nos industries et modes de consommation. L’idée du sacré n’est pas loin, et le format en totem souvent convoqué par l’artiste n’est sans doute pas innocent.

Avec Frida Kahlo, Sylvie Penet se tourne davantage vers l’humain et sa psychologie, mais poursuit le développement d’une interrogation : comment renouer avec sa nature profonde et son besoin de liberté, face aux contingences d’un Monde imprévisible ?

Sylvie Penet propose un travail sincère et complexe, tourné vers des questionnements plutôt que des réponses nettes, et qui se prolonge par l’interprétation de chacun. Un travail qu’elle expose régulièrement à son public, et qui sera présenté par MECENAVIE lors des prochaines éditions 2021 d’Art Shopping – Paris et ArtExpo – New York.

Site internet : Sylvie Penet

Sylvie DI PALMA porte en elle seule l’Italie où elle vînt au Monde, près de Rome, l’Australie, pays de son cœur et de son enfance, à Sydney, puis la France, où elle vit et crée aujourd’hui, à Lyon.

De ces périples et installations successives, Sylvie DI PALMA acquiert une force d’adaptation et une ouverture d’esprit, nourrie dès son plus jeune âge d’une grande créativité. Mais ce n’est qu’en 2010 qu’elle s’y adonne pleinement, reprenant ses études d’art en parallèle en parallèle d’une activité à l’Université Jean Moulin Lyon 3 ainsi que graphologue et traductrice-interprète free-lance.

Le dessin de natures mortes à la mine de plomb vient d’abord, et rapidement, la couleur, avec l’acrylique, le pastel et l’aérosol. Progressivement, à mesure que la palette gagne en chromatique, l’artiste glisse vers ce qui la fascine : l’abstraction.

L’Australie n’est jamais loin d’elle, et l’artiste y retourne fréquemment. Elle y développe un intérêt grandissant pour l’art des Aborigènes de l’Outback, et particulièrement le pointillisme dot painting. Une passion qui insuffle tout naturellement sa propre pratique, témoignant à sa manière d’une vision du Monde. Mais il ne s’agit pas uniquement d’en reprendre les codes esthétiques. L’art des Aborigènes touche davantage au sacré, célébrant depuis 30 000 ans la création du Monde et le savoir des Ancêtres.

En toute conscience, Sylvie Di Palma applique ainsi, des milliers de points aux couleurs vives sur des aplats sombres et unis. Chaque point est unique, jamais collé aux autres, et participe à l’ensemble, de même qu’il en est le centre.  Lignes, territoires, Hommes et animaux se forment, fêtant la vie et son harmonie. Toute la générosité de l’artiste s’y reflète, créant sa propre écriture d’un art ancré dans le temps et l’espace.

Une vision qu’elle partage avec son public sur de nombreuses expositions à travers le Monde, et en Octobre 2021 avec Mecenavie sur le salon Art Shopping au Carrousel du Louvre.

Elle multiplie depuis les expositions, projets collectifs, et intègre de nombreuses associations d’artistes. Curieuse et ouverte sur le monde, sa peinture est une ode à la nature, à la lumière et à la quête du beau.

C’est d’abord l’abstraction qui se livre à nos yeux, portée par les pigments souvent vifs, parfois plus neutres, dans une harmonie vaporeuse où quelques formes viennent trancher ça et là, dynamiser le tout.

DAÏA – Poséidon et Amphitrite

Mais derrière l’abstraction, il nous semble aussi pouvoir lire par endroits un paysage, naturel, à la faveur d’une luminosité matinale orangée, ou bleutée d’une fin de journée. L’espace et le temps se rejoignent alors, donnant à l’œuvre une narration poétique et interprétative. A la jointure du rêve et du réel, du naturel et de l’organique, les œuvres de DAÏA émergent en mirages d’acrylique et matériaux divers. L’on peut en effet observer quelques reliefs au flanc de ses compositions, confortant l’idée d’un paysage dans l’abstrait, et nous invitant au parcours.

DAÏA – Ouranous

C’est un voyage en soi-même qu’elle nous propose, glanant dans la nature ce que l’homme peut y projeter, mélancolie, espoir, amour, force et lumière.

Si la peinture est un art silencieux, DAÏA fait chaque fois chanter les couleurs, et nous délivre une vision du Monde, le sien, mais aussi le nôtre, intime et universel.

Nous avons la fierté d’exposer l’artiste sur le salon Art Shopping – Carrousel du Louvre, du 23 au 25 octobre.

Site internet de DAÏA : DB. DAÏA

Expositions passées avec Mecenavie : Art Shopping – Paris 2018, ArtExpo New York 2019, Art Shopping Paris 2019, Art3F Bruxelles 2019.

DAÏA – Clepsydre

PERGI peint depuis 2002, avec pour inspirations premières les travaux de Mondrian et la littérature. La peinture est pour l’artiste une puissante énergie, un langage universel, qui transcende les cultures et peut entrer en connexion avec tout individu. C’est donc avec soin qu’il crée son œuvre, conscient que plus tard, celle-ci viendra dialoguer avec le spectateur, en silence et en profondeur. Cette connexion intime qui se noue, est à l’image de la conscience commune et collective qui relie entre elles toutes les personnes. C’est une communication sans bruit ni parole, faite d’intuitions, d’empathie, de pressentiments.

Nous comprenons donc l’Autre et le Monde à la manière d’une œuvre, faisant traduction de ce qu’il nous est donné à voir, et surtout à ressentir. PERGI articule ainsi ses compositions autour de signes distincts qui forment un ensemble fluide, de même que nos individualités participent à un tout universel. Couches et jeux de recouvrements, dans ses peintures, sont autant de pistes de lecture, et de cette abstraction découle une infinité d’interprétations.

PERGI – à gauche : Sans titre 1 – 80x80cm
à droite : Sans titre 2 – 80x120cm

Il faut s’y plonger pour en découvrir les messages sous-jacents. L’on y repère, rapidement, deux dynamiques qui se mêlent et construisent son œuvre : la verticalité, et la circularité. Le vertical nous connecte à la terre, au chemin, au concret. Le cercle lui, est un symbole fort et ancré en tout humain – il est l’une des premières formes dessinées par les Hommes. L’artiste joue ici avec l’inconscient collectif, où le cercle désigne aussi bien la Terre et les astres que le ventre de la mère. Sans début ni fin, le cercle est la meilleure tentative de formaliser l’infini. Il est aussi signe d’unité, d’alliance, de totalité.

PERGI – Sans titre 3 – 100x120cm

Autant de manières d’appréhender chacune des œuvres de PERGI, selon nos propres vécus. Le vertical et le cercle, le chemin et le cycle, la continuité et le recommencement, l’artiste met en place diverses tensions qui pourraient évoquer le perfectionnement, l’évolution, l’accomplissement de soi. Une inclinaison qui se loge aussi dans son processus créatif : il peint sans relâche, produit beaucoup puis sélectionne, observant jour après jour les œuvres s’achever tout en amorçant de nouvelles. Le nom d’artiste qu’il emprunte, PERGI, n’y est pas anodin : en latin il signifie continuer, aller de l’avant, poursuivre.

Aller toujours plus loin, donc, pour son propre bien-être et pour devenir chaque jour une meilleure personne. Lui qui crée surtout la nuit, dans le secret du silence, développe un travail hautement communicatif et ouvert, au message fort et salutaire.

PERGI exposera aux côtés de MECENAVIE sur le salon ArtExpo New York, du 1er au 04 octobre 2020.

Site internet de l’artiste : PERGI 

PERGI – Sans titre 4 – 100x120cm

IKIOU naît en 1962 sur l’île de Namhae, en Corée. Il étudie la peinture à partir de 1976, à l’académie de Séoul, avec pour premier médium l’encre de Chine. L’artiste s’intéresse à la calligraphie, travaille la justesse du trait, la tension du pigment, avec toute l’exigence que cet exercice requiert. Au-delà de la technique, IKIOU ressent une plongée en lui-même, le pinceau faisant liaison de l’œuvre à son esprit. Cette inclinaison spirituelle dans la pratique de son art ne quittera plus l’artiste, et ses recherches prendront diverses formes, au gré des années, de ses voyages et rencontres.

Il s’installe en France en 1988, étudie l’Histoire de l’art et les Lettres Modernes, rencontre le peintre et professeur Christian Schmidt dont il fréquente l’atelier. L’esprit critique et de nature curieuse, IKIOU questionne inlassablement sa peinture, et vise à faire dialoguer simplicité plastique, richesse picturale et spiritualité. Il articule peu à peu cette quête autour du gris dont il crée des saturations, Ikiou’s grey, pour en extraire un signe ou un espace, une forme, une idée.

IKIOU – Rudebeckias, Huile sur toile, 70x70cm, 2018

Couleur de l’absence, le gris est communément déconsidéré par les peintres, tant il ne mène à rien de précis dans le réel, tout au mieux la cendre ou la brume. L’artiste y voit au contraire, une couleur qui peut tout communiquer par sa neutralité. Un état d’âme, une pensée, un paysage. Faisant table rase des poncifs et des facilités, c’est de cette couleur qu’il construit ses compositions, réservant ses teintes vives et chaudes aux formes concrètes du Monde. Ses sujets se déclinent alors en deux présences sur la toile : la nature et l’Homme, et plus précisément, l’arbre et l’objet-chaise.

IKIOU – Chaise orange, Huile sur toile, 100x81cm

L’arbre, d’un côté, désigne la naturalité de la Terre, autonome de l’Homme et dont l’Homme dépend en tant que matière première, ressource et contemplation. Il se tient, droit, fier ambassadeur de la beauté, de l’essence et du rythme du Monde. La chaise, elle, artefact de bois, est à la croisée de cet arbre et de l’esprit de l’Homme, qui invente et construit, transforme et détruit.

Artificielle et standardisée, la chaise est un objet ordinaire et propre à chaque personne. C’est par cette trivialité qu’elle nous surprend d’abord. Mais IKIOU la représente vide et détermine un subtil paradoxe, car l’humain semble y briller davantage par son absence. Elle se fait alors symbole du temps qui file et de ses traces, de l’attente et ses atermoiements, du recueillement. Elle prend vie, à mesure que nous l’observons, et de symbole devient un personnage, empli d’humanité.

IKIOU – à gauche : Chaise blanche dans le jardin gris, Huile sur toile, 100x81cm, 2017
- à droite : Souvenirs d’été, Huile sur toile, 162x130cm, 2018

L’artiste établit ainsi un monde tout personnel, aux sphères interconnectées, entre l’ici et l’ailleurs. Un espace méditatif où le silence est un cri du cœur. Puissante et économe, sa peinture est onirique, métaphorique et mentale. Il y est question de temps et d’infini, de vie et de mort, de cycle. De la nature au corps et du corps à l’esprit, chaque œuvre peut se lire selon des cheminements profonds, universels autant qu’individuels.

IKIOU expose aux côtés de MECENAVIE, sur l’édition 2020 du salon ArtExpo New York (du 01 au 04 octobre).

Nadine Ackermans est une artiste belge, née en 1959. Elle apprend la sculpture par elle-même, inspirée notamment des figures filiformes de Giacometti. Ses références culturelles sont nombreuses, de la peinture à la littérature, dont elle aime reprendre des citations. L’art est pour elle le reflet des émotions de l’artiste, le témoignage d’une pensée, d’un désir. Elle travaille en cherchant le mouvement, l’instant figé d’une tension. Elle excelle à livrer la sensation que ses œuvres, objets pourtant statiques, sont en constante animation.

ACKERMANS Nadine – Pâte à bois sur armature métallique.
A gauche : Banksy
A droite : Livia

Avec de la pâte à bois montée sur de fines armatures métalliques, ses sculptures sont légères, épurées. Dégageant le superflu, elles brillent d’une grâce naturelle et sophistiquée. Des personnages aux élégantes gestuelles interagissent, équilibristes, avec le vide qui les entoure. Ils portent parfois des objets, aux symboliques fortes telles qu’un cœur ou une fleur. Ils dansent, tirent à la corde, s’aiment et se le disent, s’étirent ou se reposent, dans des postures sans équivoque mais toujours amples et fluides.

ACKERMANS Nadine – Ferveur

Métaphorique ou littérale, chaque mise en scène semble être extraite de la vie. Nadine Ackermans décèle le beau dans le simple, le poétique dans l’ordinaire, détecte l’or du commun. L’on peut tous nous y projeter, s’y reconnaître et laisser libre cours à nos émotions. Ses personnages, hommes, femmes ou enfants, se distinguent d’ailleurs selon des signes standards, et n’ont de particularité que celle d’être humains, universels.

ACKERMANS Nadine – Les humains

Certaines sculptures font jeu de citation à d’autres œuvres, telle que l’iconique photographie Déjeuner au sommet d’un gratte-ciel. Onze ouvriers perchés sur une poutre d’acier, à 240 mètres du sol, dont l’artiste reprend les attitudes en un touchant hommage. L’on y retrouve tout ce qu’elle vise à transmettre : le fier et fragile équilibre de la vie, l’harmonie face au danger, l’extraordinaire dans le commun.

ACKERMANS Nadine – Déjeuner au sommet d’un gratte-ciel

Depuis bientôt 20 ans, Nadine Ackermans rencontre son public sur de nombreuses expositions. En Belgique, son pays natal, et à travers le Monde, notamment Amsterdam, Milan, Miami, New-York et Paris. Aux côtés de MECENAVIE, l’artiste expose cette année sur le salon Art Shopping à Deauville, du 29 octobre au 1er novembre.

Site internet de l’artiste : Nadine Ackermans

Eric Beauplace, artiste plasticien né en 1962 en région parisienne. Le terme de plasticien, ici, n’est pas à entrevoir en un sens classique. Il manipule les matériaux, crée couleurs et volumes, compose, mais ses outils ne sont ni ceux du sculpteur, ni ceux du peintre.

Rien n’est figé dans ses œuvres, le mouvement ne cesse jamais, et pour cause : elles sont intimement liées à la lumière environnante, aux déplacements du spectateur et de chaque œil qui s’y dépose. Sculptures murales, les créations d’Eric Beauplace usent de la matière comme d’un récepteur à la lumière et créent des passerelles d’une l’une à l’autre, offrant une expérience optique intense.

Eric Beauplace – Souffle d’été – 70×70 cm – 2017 – Technique mixte

Le verre acrylique, matériau versatile et vivant, est un élément régulier du processus. L’artiste en découpe des morceaux de tailles et de formes variables, et les assemble sur des fonds souvent neutres, au moyen de petites tiges métalliques. Il compose avec le vide, le fragmente, logeant des espaces où peut filtrer la lumière.

Transparences et reflets, miroitements, diffractions, et bien d’autres phénomènes encore en découlent, démultipliant les pistes de lecture. Les couleurs naissent, se mêlent et s’émancipent, les motifs se répètent et rythment l’ensemble. L’aléatoire prolonge l’œuvre indéfiniment, dans une harmonie de contingences plastiques méticuleusement mises en place par l’artiste.

Eric BEAUPLACE – Détails
A gauche : Miroir paradoxal – 40×70 cm – 2018 – Technique mixte
A droite : Résonances végétales ‘suite’ – 80×120 cm – 2015 – Technique mixte

Lui-même spectateur de ce qu’il crée, Eric Beauplace est un chercheur : il expérimente, constate, épuise et renouvelle ses procédés créatifs. Son travail est une constante expérience à laquelle il convie le spectateur. Plus qu’un message, l’artiste veut susciter l’évasion, peut-être même la méditation. Lui qui a passé son adolescence au Japon, aimait d’ailleurs arpenter les jardins botaniques, observant les feuillages et les morceaux de vie évoluer sous le cycle du soleil et des saisons.

Alors promeneur au milieu de cet environnement changeant, l’artiste propose aujourd’hui au spectateur un chemin dont il est le centre, et qui parcourt l’œuvre sans jamais la cerner totalement. Une intimité se noue, dimensionnelle, chromatique, au gré du visible et ses atermoiements. Inédite, fluide et hautement visuelle, l’œuvre d’Eric Beauplace se vit donc par la contemplation, et à bien s’y perdre, nous enrichit d’une spiritualité nouvelle.

Eric Beauplace exposera cette année aux côtés de MECENAVIE, sur les salons ArtExpo New York (01 – 04 octobre) et Spectrum Miami (02 – 06 décembre).

Site internet de l’artiste : Eric Beauplace

Eric Beauplace – Rupture temporelle – 80×120 cm – 2016 – Technique mixte

L’œuvre de Rachel Kah est avant tout celle du temps et de ses traces, qu’elle tente de saisir. Elle s’empare de matériaux bruts et vivants, altérés mais présents. Des supports qui portent une histoire, autrefois robustes, aujourd’hui dégradés, blessés. Son travail tend à esquisser ce vécu, transposition de son regard porté sur les vulnérabilités de l’Homme.

Elle intervient entre confrontations et dialogues des matières, jusqu’à l’équilibre. La main alerte et sûre, le geste rare mais précis. Radical, le travail de Rachel Kah se savoure ainsi par contrastes : le minimalisme y est généreux, la pureté productive.

A gauche : Rouille, 70x50cm – Sable, métal et zinc sur MDF
A droite : Sans titre 2, 21x15cm – Technique mixte sur carton entoilé

Le sable, le béton, le zinc, la terre se rencontrent et se défient. La rouille et la cendre deviennent liants. L’artiste scrute chaque potentiel, et sous une apparente simplicité nous en dit beaucoup. Car il s’agit, pour chaque œuvre, d’une pulsion, d’un élan vital. Elle nous rappelle que la naturalité de toute matière aurait une indéfectible tendance à disparaître, par à-coups de phénomènes organiques, lents mais non moins inévitables. Et de même qu’elle révèle cette tension, elle fait de la matière une œuvre qui l’inscrit dans le temps, lui offre une seconde lecture, une seconde vie.

Une condition en réalité celle de l’Homme, mortel parmi les mortels aux fractures enfouies. L’hypersensibilité de Rachel Kah, qui sait voir l’autre au-delà de ses habitus et apparats, ne peut qu’être inhérente à ce processus de matières qui se montrent, à nu. Elles y sont réciproquement fragiles et puissantes, éphémères et pourtant soudain figées.

A gauche : Signe, 100x70cm – Sable et terre sur MDF
A droite : Strate, 100x70cm – Technique mixte sur MDF

Un travail qui ne saurait être efficace sans technique ni savoir-faire. La carrière d’architecte de Rachel Kah lui assure ici une maitrise certaine du matériau, et de l’espace. Une carrière qu’elle a mené avec brio, sans jamais se détacher de son besoin de créer autrement, de s’exprimer, jusqu’à s’y vouer intégralement.

D’une sensibilité indépendante, presque sauvage, l’artiste conçoit la création comme un territoire où nul individu ne peut l’influencer. Son art se prolonge avec la sculpture, où le matériau prend la figure d’hommes souvent solitaires, toujours solides, aux blessures fières et criantes. Protéiforme, donc, le travail de Rachel Kah nous dit le précieux paradoxe que celui de vivre, et de l’incomplétude. D’une sincérité salutaire.

Rachel KAH expose cette année avec Mecenavie, sur le salon ArtExpo New York 2020.

Site internet : Rachel KAH

EXPOSITIONS : 

• Octobre 2019 : Art-Shopping au Carrousel du Louvre, Paris, France – Exposition personnelle
• Mars à Mai 2020 : Galerie Rossocinabro, Rome – Italie – Exposition collective
• Mars à Mai 2020 : Adequat Interiors, boutique d’architecture d’intérieur, Orbe – Suisse
• Mai 2020 : Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokyo – Japon – Exposition collective - REPORTÉ
• Octobre 2020 : ArtExpo New-York 2020, ‎États-Unis – Exposition collective (MECENAVIE)
• Décembre 2020 : Insaartplaza Gallery, Séoul, Corée du Sud – Exposition collective
• Mai 2021 : Galerie du carolin, Syens – Suisse – Exposition personnelle

A gauche : L’homme seul 1, 41x6x6 cm – Bronze
A droite : L’homme seul 4, 94x9x9 cm – Bronze sur tige métal

 

Mais au-delà de l’esprit, Chantal LALLEMAND implique aussi son corps, tout entier. Elle supprime en effet tout intermédiaire qui pourrait la séparer du support. Sa méthode de création ne passe pas par le pinceau, ni aucun autre outil. Ce sont ses mains, ses doigts et ses ongles, uniquement, qui viennent appliquer la matière sur la toile. Elle avance à l’instinct, compose et organise l’œuvre, le sens du toucher en alerte.

LALLEMAND Chantal – Burnout, 116×89, technique aux doigts sur toile

Une intimité s’installe de l’œuvre à l’artiste, peau contre peau. Chantal LALLEMAND explique alors que sa technique d’application de la peinture sur la toile pourrait suivre les mouvements d’un massage. L’ongle quant à lui, vient gratter, creuser dans le pigment, et détermine des lignes sur le support de lin.

LALLEMAND Chantal – Soleil vert, 114×146, technique aux doigts sur toile

Quand elle ne crée plus directement de ses mains, Chantal LALLEMAND fait appel à une autre technique, plus artisanale mais elle aussi très inédite. Fille de couturière-costumière, elle vient broder certaines de ses œuvres avec des perles, de cristal et de verre. Un travail d’orfèvre, où patience et habileté sont les maîtres-mots. De longs mois sont nécessaires à une toile – la plus conséquente compte jusqu’à 20 000 perles.

LALLEMAND Chantal – Betsiboka, 60x60cm, 20 000 perles cousues sur toile de lin

L’art de Chantal LALLEMAND est ainsi pétri de multiples processus, physiques et spirituels, où la concentration mène au rêve, où la patience mène à l’émotion. Nous entrons dans la peinture, sur les pas de l’artiste. Elle nous ouvre les portes du sensible, à cœur ouvert, avec un savoir-faire pur, et se fait toujours l’économie du superficiel.

Chaque œuvre est une composition complexe de couleurs et de textures. Notre esprit s’y pose et s’y promène inlassablement, découvrant toujours un nouvel élément, une nouvelle histoire.

Site internet de l’artiste : Chantal LALLEMAND – artiste peintre.

Prochaines expositions avec MECENAVIE : ArtExpo New York (du 1er au 4 octobre); Spectrum Miami (du 2 au 6 décembre).

LALLEMAND Chantal, broderie de perles à son atelier